发布时间：2014-12-02 点击次数： 打印
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魏云飞，1978年生于河北怀来，2001年毕业于天津美术学院中国画系，获学士学位，2004年天津美术学院中国画系山水专业研究生毕业，获硕士学位，并留校任教。现为天津美术学院中国画学院副教授、山水系主任，中国美术家协会会员，天津美协理事，天津市河西区政协常委。其作品曾刊载于《美术观察》、《美苑》、《艺术美苑》等多种专业杂志。
魏云飞的作品就像他的名字一样，透着一种静气。在他的画中没有压人心魄的高山巨石，没有剑拔弩张的参天巨木，亦没有奔流如海的江河；唯有山色清幽，疏林秋晚，回溪清瀑，溪岸云烟，水村鱼舍，充满着平淡静穆的气息，好似与天地皖苏通神。
画室——馨若桂 气如兰 宁静以致远
曾经无数次想象过与画家见面的场景，想象着见面时候他们正在进行激情的创作，担心一个不留神就触碰到他们的艺术底线，而被无情的“赶出”；幻想着他们都是留着长发的艺术家，嘴叼烟斗，宽松衣裳正在地上进行艺术构思……可是，当真的接触到这样一些画家的时候，才发现原来他们也不过是平常之人，会留着三七分的“古板发型”，穿着我们平常人穿的衣服，并非想像中的那么文艺范儿。
这次相见是在天津美院魏云飞的办公室，进入办公室的时候刚好碰到有朋友向魏云飞索字，魏云飞礼貌性的向我们打完招呼之后就继续写字。未敢惊动，我与身旁搭档默默地拿出相机和摄像机，随时准备捕捉关键画面和所需镜头。
仔细观察，这是一件约20平方米的办公室，右手边靠窗户的位置是魏云飞进行创作的“基地”——一张绘画桌子，上面摆满了各种大小毛笔，各类宣纸，魏云飞正在案前书写。而其身后，则有一款硕大的名牌，上面写有“行素堂”三个大字。在魏云飞画桌的一旁是一个小小的“热带雨林”，上面摆放有吊兰、富贵竹，各种盆景和记录魏云飞成长道路的奖杯。在创作疲惫之时，想必这些小观景以及“玩物”为其平添了不少乐趣。
“得再写一张”，说着，魏云飞拿起一张新的宣纸开始折纸定尺寸。完毕，宣纸一铺，他便开始了新一轮的挥毫泼墨。窗外的阳光透射进来，将正在书写的魏云飞照耀得全身反射着光芒，不几分钟，魏云飞便郝然写下“宁静致远”四字，此四字正如其房内的各种牌匾所书：馨若桂，气如兰，宁静以致远。霎时，一股馨香扑面而来，来者将墨宝置于一旁并与魏云飞寒暄几句便离去。这是我第一次能够在画家的办公室内，如此真实、真切、深刻的体会艺术家所处的环境，着实让笔者深受艺术之熏陶。
永和在线对话魏云飞
永和在线：《羲之爱鹅图》是在什么情况下进行创作的？并且最终被2014年青奥会美术大展组委会收藏？
魏云飞：我个人非常向往古代的文人生活，对于山水画来讲，一定要营造出来一种悠远的古意，一种深深的传统气脉，因此有一段时间我画了很多文人雅士。
山水画里体现的也都是和风景画不大一样的，延续着古代文人的传统文脉的，体现的是一种文人雅士的气概，延续着文人的传统脉搏，并且有一个人文追求。
“羲之爱鹅”是众所周知的一个故事，讲述的是一个大书法家喜欢在造化万物中体会、观察、提炼，将感受运用到自己的创作中去。《羲之爱鹅图》是一幅山水与人物相结合的题材，传达出的是一种意境，可能正是这种意境打动了他们。
永和在线：本科期间是学习人物绘画的，研究生阶段从人物画跳跃到山水画，您是怎么过渡的？
魏云飞：其实在本科阶段我是比较偏爱山水画的，但是当时，天津美院的教学是以人物画教学为主，招生量比较小，造型课比较多，这也比较好的解决造型问题。在造型基础好的时候再进行山水画创作就会有一种驾轻就熟的感觉。
本科阶段，我对山水创作有自己的认识和见解，并且在山水写生中间逐渐发现它们与自己的性情有一种契合点，再加上像白庚延老师、何家英老师对我的提醒，于是考研的时候就选择了山水专业。那时候，天津美院已经有将近十多年没有招到山水专业的研究生。
考上山水研究生之后，我就开始比较系统的接受山水画学习。从元四家（赵孟頫、吴镇、黄公望、王蒙）到宋人山水。之后，我就确立了以元四家和四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）这一脉的沿袭思路，并一直沿袭着这种传统技法，传统的审美规律和传统的作画方法，传统的思维模式进行教学和创作。
永和在线：上学时候的心态和现在教学生的心态有什么不同？
魏云飞：在学院里面教学涉及的知识比较多。你要向学生传授知识，首先对知识要有自己的认识。在上学时候被遗漏的知识，现在在上课的时候就会尽量给学生解答。比如点景、花鸟、甚至山水都是重新回过头来去深入研究的，因此这是教学相长的事情。
有人说我的山水画是自学的，但是天津美院老师对我起到的作用往往是醍醐灌顶式的，方向性的把握。因此，我对山水的理解和认识是建立在天津美院的审美背景上的，它和其他美院是截然不同的。
永和在线：有人说，您的画太过传统，没有创新，您怎么看？
魏云飞:可能会有人认为我的山水画过于传统化，过于“程式化”，但是这就是我所追求的、我喜欢的。而且，我认为传统化、“程式化”并非中国画的缺点，而是它的优势。我们只有真正的记住它，将来才有可能获得真正的笔墨自由，而不是离开它，抛开它。它就像练习书法，你不可能抛开碑帖；写诗不可能抛开汉字一样，画山水就是不能够抛开传统。抛开传统的山水画就是没有根的，没有根的山水画可能是一幅比较不错的画，但是很难说是一幅好的山水画。
我认为的传统是活的，如果看到的传统和“程式化”都是死的话，那么画出来的就是符号的堆砌，就是城市化的累积，毫无任何意义。但是你要是通过生活中的临摹体会，通过印证以及不断的思考，通过生活观察体会写生，你就会找到你的“程式化”，并且这样的“程式化”是承上启下的，有自己语言符号烙印的。
因而，如果要表达意境、笔墨的性格、情感，一定是以程式化的形式表露出来的。这种程式化鲜活、真诚、有感而发，兼具笔墨美、造化美、个性美，这是所我们的追求。
所以，“程式化”和“创新”丝毫不矛盾，没有之前的“程式化”就谈不到“创新”，就很难达到山水画林泉高致、天人合一、物我两忘的境界。
永和在线：在日常教学中，老师总是会时刻影响着学生，那么您会具体通过什么样的方式，将这种“程式化”传授给学生？
魏云飞：学习中国画最基础的就是要学会临摹，先记住这样的状态。中国画的学习就像是写字一样，起初我们不可能创作字，一定是要先临帖别人的字，画画同理。
高校扩招以后，很多学生对山水画的认知并不深，基本上对笔墨的运用还是处于空白的状态。这种条件下，我认为应该是以实践为主，加以引导，先向学生们阐释清楚在这些作品中能够捕捉到什么？美在哪里？它的造型规律，构图规律，笔墨的虚实变化规律、色、墨的配合，如浅绛等。再向学生示范，勤加练习就可以了。
我认为绘画就是要遵循一个“由技入道”的过程，因而并不提倡向低年级的学生讲一些玄之又玄的东西，这会让他们听糊涂。他们要先进入临摹的技法状态，这样才能够少走弯路。不管你有多高的才情、高度，首先都是要先落实到技法上的。古往今来没有人能够越过技法直接达到林泉高致的境界，只有笔墨传统技法扎实，才能够在未来游刃有余。
永和在线：您曾经在一篇文章中说道与自然对话，那么您是如何体悟山水、与山水对话的？
魏云飞：简而言之，就是我要用传统的写绘语言，表达我对写生多年来对于意境的一种追求，用传统的载体表达我对当下生活的关注。
我对传统的理解就是通过构图、色彩搭配、树木与石头之间的关系表达一种古人的意境。“传统”只是代表“过去”，并不代表“过时”。“传统已经过时”这种说法完全是一种误导，说这话的人是没有认真思考，没有经历绘画实践的。我自己在创作的时候是深深的遵循着这种文脉。
山水画表达的意境并非是客观物象的再现，而是客观物象对你内心的触动，触动了你内心追求的美，此时物象与意像两者一结合，你就会思考颜色怎么过度，虚实怎么搭配，而这些也恰恰是为内心的意境服务的。
技法是之前要掌握的，意境则是多年来的追求，场景打动你的时候，你就会思考要怎样通过客观环境表达出来的追求。因此真正的山水画只能够为知者言，因此在创作和教学中我总是保持着学术性，并不渴求所有人都能读懂。
永和在线：最近有没有计划性进行创作？
魏云飞：没有，因为我一直都是在做教学，我的创作基本上也都是与教学同步的。以前我对青绿山水有一定的回避，但是这两年我开了一门课程叫做“青绿山水画研究”，所以最近一段时间在探索如何让青绿山水恢复到富丽堂皇、厚重典雅的感觉。
青绿山水创作涉及到颜料、纸张、用水都是问题，画绿颜色、蓝颜色如果控制不好，容易影响格调，让人感觉俗气。既然开了这么一门课程，我就会特别留意一些经典的青绿山水原作或者是清楚的印刷品。像赵孟頫、钱选甚至一些文人画家如沈周、文征明等，我都比较关注。因为我要让我的画既有笔墨的苍润苍茫之美，又有工笔的细致之美，同时有一定的文人气息。
以前画画我会挑纸，但是现在不会，我会拿起纸来就进行创作。我会体会纸张和笔墨效果在传达古人思想的时候会有什么距离感，能不能达到那个效果。尝试比较多，但是并没有刻意的去计划性的进行创作。所以我一方面遵循内心的感觉，另一方面会听取朋友的建议，在下一步的创作和教学中让作品变得更好。
永和在线：对于艺术创作的态度，您持什么观点？
魏云飞：我并不提倡大讲才情的人，因为古人讲厚积薄发是有一定道理的。所以我们一定要像李可染先生说的那样，扎扎实实做苦学派，不随波逐流，坚守自我。没有细密、没有深入，也就没有概括，没有提炼，这就是我的基本的教学观点。
